人は世界のすべてを直接見ることはできず、五感を通じて得た断片的な情報をもとに、それぞれの世界を構築している。この認識の限界は、哲学者イマヌエル・カント（Immanuel Kant, 1724–1804）が述べたように、私たちは「物自体」をそのまま知覚することはできず、感覚を通じた「現象＝現れ」として世界を捉えているにすぎない¹。近年の認知科学においても、知覚は外界の単なる写しではなく、不完全な感覚入力をもとに脳が生成的に補完する動的な過程として理解されている² ³。こうした前提のもと、私は絵画を、知覚と世界との関係を可視化する「現象の探究装置」として位置づけている。
私の制作は、知覚の構造を問う認識論と、可視性の背後に潜むものへと接近する存在論、その両面において展開しており、見ることと現れることが交錯する生成の場として絵画空間を捉えている。かつてキュビストたちは、見るという行為を分節して構成し直すことで絵画の形式に新たな観点を提示し、他方でシュルレアリストたちは、無意識のうちに現れる像を自動筆記によってとどめようと試みたが、感覚様式の複雑化が進む現代において、視覚芸術である絵画表現を通じて、いかにして「世界の現れ」を記述し、知覚の枠組みを超えた「不可視の存在」を示すことができるのか。この問いに立脚して制作を行なっている。
実践においては、画面の外側と内側の双方向に空間を拡張し、その構造によって知覚の運動を誘発することを意図している。まず、外側へと開かれる構造を生み出すために、キャンバスの枠を超えるイメージの配置や、シェイプドキャンバスの導入、意図的な余白や欠損を設けている。これらはキュビズムに見られる多視点性を空間的に再解釈した仕掛けであり、「切れている」ことによって絵画の物質感や断片性を前景化し、鑑賞者の視線を外部へ導くことで、周囲の環境との対話を強調させる機能をもつ。次に、内側に描くイメージとしては、主に二つのモチーフを扱っている。一つは、五感を通じて捉えた現前的な形象であり、もう一つは、過去や想像に基づく再現的な形象である。
スケッチやエスキースを経由せず、まず木材や布、古道具といった身近な事物を用いて立体物を制作する。それを絵画生成の起点として位置づけ、身体的な知覚から表現を展開させていく。さらに、自身の五感では捉えられない歴史上の対象や、遺産・遺跡・伝承など、現在では部分的にしか把握できない情報を、時代を超えた像の層として取り入れている。このモチーフの二重性は、現在の身体的経験と過去の記憶・想像といった時間軸の解体にとどまらず、複数の歴史的・美術史的文脈を横断的に引用することによって文化的出自を匿名化し、特定の区分に還元されない図像を創出する。この過程により、多層的なイメージが形成されていく。
こうして描かれる画面は、抽象とも具象ともつかない中間的な性質をもつ。記号としての形式性を明瞭に保ちながらも、それに結びつく解釈が定まらないことにより、鑑賞者の知覚は常に再調整を迫られる。すなわち絵画は、あらかじめ決められた意味を伝達する道具ではなく、意味が生成される条件そのものを開示する構造として機能する。これらの複合的な要素が組み合わさることで、固定された時間と空間の枠の中に閉じるのではなく、外部との相互作用によって変容し続ける場が立ち上がる。結果として、絵画は内側で完結せず、鑑賞者の関与を前提とした状態となる。
このように、外側と内側の双方向に開かれた絵画を前にしたとき、鑑賞者は各々の経験に基づいて断片を統合し、描かれたイメージの延長や全体を想像する。そして、主観的に補完された世界を脳内に構築することで、私の作品は他者の知覚とともに成立する「不可視の存在」を示す装置としての役割を果たすと考えている。このあり方は、他者や環境との関係性のうちに生成される開かれた自律性⁴として捉えられるべきであり、近代以降に追求された美術の自律性の理念⁵を一度相対化しつつ、形式性を保持したうえで再文脈化する試みでもある。
私にとって制作とは、主体としての私を通して立ち現れた現象を、客体としての私が確認する行為である。それは、無意識のうちに断片的な感覚情報を手がかりに予測を立て、それを修正しながらイメージを形成していくという循環を内包しており³、私はこの動態を意識的に捉えようとしている。こうした視点を通じて、人は世界をどのように知覚し、またその射程を超えたものにいかに接近しうるのかを探究していきたい。
絵画が世界の現れやその背後に潜む存在を問うことは、美術や哲学の歴史において繰り返し探究されてきたテーマであると同時に、現代の流動的な知覚環境において切実な課題でもある。SNSやアルゴリズムが生成する断続的な情報や、デジタル空間での画一化された視覚体験が、私たちの知覚をいっそう錯綜したものにしている。こうした状況下で、絵画という営為は、身体をもって行為する人の特異性を浮き彫りにし、個々の主観を通じた独自の視座を提示する契機となるのではないだろうか。私は自らの実践を通じて、現代における知覚と存在の交錯を捉え、絵画表現のあり方を再定義することを目指している。
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Human beings cannot directly perceive the entirety of the world; instead, they construct their own versions of it based on fragmented information received through the five senses. This limitation of perception, as articulated by the philosopher Immanuel Kant (1724–1804), means that we cannot know “things-in-themselves” as they are, but only apprehend the world as “phenomena” or appearances mediated through our senses¹. Recent cognitive science also understands perception not as a mere reflection of the external world, but as a dynamic process in which the brain generatively compensates for incomplete sensory input² ³. Against this backdrop, I position painting as a “device for exploring phenomena,” a means to visualize the relationship between perception and the world.
My practice unfolds across two dimensions: an epistemology that questions the structure of perception and an ontology that approaches what lies behind visibility. I regard the pictorial space as a generative field where seeing and appearing intersect. In the past, Cubists restructured the act of seeing by breaking it down and recomposing it, introducing new perspectives to the form of painting, while Surrealists sought to capture images emerging from the unconscious through automatic writing. In today’s world, where sensory modalities have grown increasingly complex, how can painting, as a visual art, describe the “manifestation of the world” and point toward an “invisible existence” beyond the frameworks of perception? My practice is grounded in this question.
In my work, I aim to expand space both outward and inward from the canvas, intending to provoke the movement of perception through this structure. To create a structure that opens outward, I employ strategies such as arranging images beyond the canvas’s frame, introducing shaped canvases, and incorporating intentional blanks or absences. These are spatial reinterpretations of the multiperspectival approach seen in Cubism, foregrounding the materiality and fragmentation of painting through “ruptures” that guide the viewer’s gaze outward, emphasizing dialogue with the surrounding environment. Within the canvas, I primarily work with two types of motifs: one is the immediate forms captured through the five senses, and the other is representational forms derived from memory or imagination.
Rather than relying on sketches or preparatory drawings, I begin by creating three-dimensional objects using everyday materials such as wood, fabric, or found objects. These serve as the starting point for generating paintings, allowing expression to unfold from bodily perception. Additionally, I incorporate historical objects, relics, ruins, or traditions—entities that can only be partially grasped today—integrating them as layers of imagery that transcend time. This duality of motifs not only dismantles the temporal axis of present bodily experience and past memory or imagination but also anonymizes cultural origins by cross-referencing multiple historical and art-historical contexts, creating iconography that resists reduction to specific categories. Through this process, multilayered imagery takes shape.
The resulting canvas exists in an intermediary state, neither fully abstract nor fully representational. While maintaining clear formal qualities as a sign, the ambiguity of interpretation compels the viewer’s perception to continually readjust. In other words, painting does not serve as a tool for conveying predetermined meanings but functions as a structure that reveals the conditions under which meaning is generated. By combining these complex elements, the painting transcends the confines of fixed time and space, giving rise to a field that continuously transforms through interaction with the external world. As a result, the painting does not conclude within itself but exists in a state that presupposes the viewer’s engagement.
When encountering a painting that opens both outward and inward, the viewer integrates fragments based on their own experiences, imagining the extension or totality of the depicted imagery. By constructing a subjectively completed world in their mind, my work functions as a device that points to an “invisible existence” co-created with the viewer’s perception. This approach should be understood as an open autonomy⁴ generated within the relationality of others and the environment, simultaneously relativizing the modernist ideal of artistic autonomy⁵ while preserving formality and recontextualizing it.
For me, the act of creation is a process in which the phenomenon that emerges through myself as a subject is confirmed by myself as an object. It encompasses a cycle of making predictions based on fragmented sensory information, often unconsciously, and refining those predictions to form imagery³. I consciously strive to capture this dynamic process. Through this perspective, I seek to explore how humans perceive the world and how they can approach that which lies beyond the scope of perception.
The notion that painting questions the manifestation of the world and the existence underlying it has been a recurring theme explored throughout the history of art and philosophy, while also being an urgent issue in today’s fluid perceptual environment. The fragmented information generated by social media and algorithms, along with the homogenized visual experiences in digital spaces, increasingly complicates our perception. In such a context, the act of painting highlights the uniqueness of the individual who engages in it with their body, offering an opportunity to present a distinctive perspective through subjective experience. Through my own practice, I aim to capture the intersection of perception and existence in the contemporary world, seeking to redefine the possibilities of painterly expression.
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References
¹ Kant, I. (1781). Critique of Pure Reason.
² Helmholtz, H. (1867/1925). Treatise on Physiological Optics (Vol. 3). Optical Society of America, Washington, DC.
³ Parr, T., Pezzulo, G., & Friston, K. J. (2022). Active Inference: The Free Energy Principle in Mind, Brain, and Behavior. The MIT Press.
⁴ Bourriaud, N. (1998/2010). Relational Aesthetics. Les Presses du Réel.
⁵ Greenberg, C. (1960). Modernist Painting.