反復と変容による「不可視の存在」の探究
人は世界のすべてを直接見ることはできず、五感を通じて得た断片的な情報をもとに、それぞれの世界を構築している。この認識の限界は、哲学者イマヌエル・カント（Immanuel Kant, 1724–1804）が述べたように、私たちは「物自体」をそのまま知覚することはできず、感覚を通じた「現象＝現れ」として世界を捉えているにすぎない。こうした前提のもと、私は絵画を、人間の知覚と世界との関係を探究する装置＝現象の探究装置として位置づけている。
絵画とは、知覚の構造を問う認識論的実践であると同時に、可視性の背後にある存在へと接近しようとする存在論的試みでもある。私の制作はこの二つの軸において展開しており、見ることと現れること、知覚と存在が交差するその接点として絵画空間を捉えている。かつてキュビズムの作家たちは、対象を分解し、絵画を再構築することで知覚の構造そのものに新たな観点を提示したが、知覚の様式や感覚の枠組みそのものが流動化している現代において、視覚芸術である絵画表現を通じて、断片の外側にある「不可視の存在」をいかにして示すことができるのか。この問いに立脚して、私は制作を行っている。
私の実践では、画面の外側と内側の双方において空間を拡張し、その構造によって知覚の運動を誘発することを意図している。まず、外側へと開かれる構造を生み出すために、キャンバスの枠を超えるイメージを描き、欠けや白抜きの余白を意図的に設けている。また、時には切り取られたような形状の支持体を用いることで、鑑賞者の視線を外部へ導く仕掛けを施している。
次に、内側に描くイメージとしては、主に二つのモチーフを扱っている。一つは、五感を通じて立ち現れた形象であり、もう一つは、過去に存在していたとされるが現在はその全貌を把握することができないものである。
スケッチやエスキースを経由せず、私はまず身近な事物を用いて立体物を制作する。それを、絵画を生成するための源泉として位置づけ、身体的な知覚からイメージを展開させていく。さらに、自身の五感では捉えられない歴史上の対象や、遺産・遺跡・伝承など、現在では断片的にしか把握できない情報を、時代を超えた像の層として取り入れている。こうした実践によって、身体的観測と過去の痕跡が重なり合い、多層的な空間が形成されていく。
こうした空間的構造に加えて、私が描くイメージの多くは、輪郭が明瞭でありながら、意味が名指し得ない中間的な性質をもっている。視覚的には認識されうるが、意味的には未確定の状態に置かれており、具象でも抽象でもない像の性質が、絵画における多義性を生み出している。記号としての形式を保ちながらも、それに結びつく意味が宙づりであることにより、鑑賞者の知覚は常に再調整を迫られる。すなわち作品は、あらかじめ定まった意味を伝達する道具ではなく、意味が生成される条件そのものを開示する構造として機能する。
これらの複合的な要素が組み合わさることで、絵画は固定された時間と空間の枠の中に閉じるのではなく、外側との相互作用によって常に変容する「場所」を生成する。そこでは、対象への繰り返しの観測を通じて新たな知覚が立ち上がる。この反復は、単なる同一性の再生ではなく、微細なズレや変化によって新たな視座が開かれ、差異の積み重ねによって更新されていく。こうして作品は内側で完結せず、鑑賞者の関与を前提とした状態となる。
このように、外側と内側の双方向に開かれた絵画を前にしたとき、鑑賞者は各々の経験に基づいて断片を統合し、描かれたイメージの延長を想像する。そして、主観的に補完された世界を脳内に構築することで、作品は他者の知覚とともに成立する装置としての役割を果たすと考えている。
このような絵画のあり方は、他者や環境との関係性のうちに生成される「開かれた自律性」として捉えられるべきであり、近代以降に追求された美術の自律性の理念を一度相対化しつつ、形式性を保持したうえで再文脈化する試みでもある。
私にとって作品を制作することは、主体としての私を通して立ち現れた現象を、客体としての私が確認する行為である。それは、無意識のうちに断片的な感覚情報を手がかりに予測を立て、それを修正しながらイメージを形成していくという循環を内包しており、私はこの動態を、現象学の枠組みを体現する形で意識的に捉えようとしている。こうした視点を通じて、人は世界をどのように知覚し、またその射程を超えたものにいかに接近しうるのかを探究していきたい。
人工知能が統計的推定に基づいて「知覚らしきもの」を生成しつつある今日の状況のなかで、絵画という営為は、身体をもって行為する人の特異性をあらためて浮かび上がらせる契機となるのではないだろうか。私の作品が、知覚と存在の境界が交錯する新たな場となり、「不可視の存在」との接触を媒介する界面として機能することを目指している。
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Exploring “Invisible Presence” through Repetition and Transformation
Human beings cannot perceive the world in its entirety directly. Instead, we construct our own versions of the world based on fragmentary information gathered through the five senses. As the philosopher Immanuel Kant (1724–1804) argued, we can never perceive the "thing-in-itself" (Ding an sich) as it truly is; we only apprehend the world as phenomena—that is, as appearances mediated by our senses. Based on this premise, I position painting as a device for exploring the relationship between human perception and the world—a device for the investigation of phenomena.
Painting, in my view, is both an epistemological practice that questions the structure of perception and an ontological attempt to approach what lies behind visibility. My practice unfolds at the intersection of these two axes: seeing and appearing, perception and existence. Historically, Cubist painters broke down objects and reconstructed them on the canvas, proposing new perspectives on perceptual structure. In an era where perceptual modes and sensory frameworks have become fluid, I ask how painting—as a visual art form—can gesture toward the "invisible existence" that lies beyond the fragments. It is this question that grounds my creative practice.
In my work, I aim to expand space both outward from and inward into the picture plane, thereby stimulating perceptual movement through structural means. To generate an outwardly open structure, I paint images that extend beyond the edges of the canvas, intentionally incorporating blank spaces, omissions, and cut-outs. At times, I employ irregularly shaped supports to direct the viewer’s gaze beyond the bounds of the surface. As for the images within the canvas, I primarily deal with two types of motifs: one comprises forms that emerge through the five senses, and the other consists of entities said to have existed in the past, but whose totality can no longer be fully grasped in the present.
Rather than beginning with sketches or studies, I first create three-dimensional objects using everyday materials. These function as sources for generating paintings, and I develop images based on my bodily engagement with them. Furthermore, I incorporate subjects inaccessible to my immediate senses—historical remnants, ruins, and oral traditions—layered as visual traces from across time. Through these methods, perceptual observation and the vestiges of the past overlap, forming a multilayered spatial field.
In addition to this spatial structure, many of the images I paint are characterized by a liminal quality: they possess clear outlines yet resist definitive naming or meaning. They are perceptually recognizable but semantically indeterminate, situated between figuration and abstraction. This ambiguity generates multiplicity within the pictorial space. While these images retain a formal coherence as signs, their associated meanings remain suspended, compelling the viewer to constantly recalibrate their perception. In this way, the work functions not as a vehicle for transmitting pre-determined meanings, but as a structure that reveals the very conditions under which meaning is generated.
Through the interplay of these complex elements, painting ceases to be confined within fixed temporal and spatial frames and instead becomes a dynamic "place" that continually transforms through interaction with its outside. It is through repeated observation of the work that new perceptions emerge—not as mere reproductions of sameness, but as shifts and variations that accumulate difference and open new perspectives. Thus, the work does not conclude within itself but presupposes the viewer’s active involvement.
In front of such paintings—open in both outward and inward directions—viewers integrate fragments based on their own experiences and imagine the continuation of the depicted images. In doing so, they construct internally supplemented worlds, allowing the work to fulfill its role as a device co-constituted through the viewer’s perception. This mode of painting should be understood as an "open autonomy" that emerges through relationships with others and with the environment. It is also an attempt to relativize the modern ideal of artistic autonomy—pursued since the modern era—while retaining formal structure and recontextualizing it within a new framework.
For me, creating a work is an act in which the phenomenon that has emerged through myself as subject is then verified by myself as object. It contains a cycle in which I unconsciously form predictions based on fragmentary sensory information, then revise them while shaping the image, and I seek to apprehend this process consciously, in a way that directly embodies the framework of phenomenology. Through this perspective, I aim to explore how we perceive the world and how we might approach what lies beyond its reach.
In today’s world, where artificial intelligence has begun to generate something akin to “perception” through statistical inference, painting may once again highlight the irreplaceable specificity of human beings—who act through and with their bodies. I hope that my work may function as an interface mediating contact with invisible existence, generating a new space where perception and being intersect.