反復と変容による「不可視の存在」の探究
人は世界のすべてを直接見ることはできず、五感を通じて得た断片的な情報をもとに、それぞれの世界を構築している。この認識の限界は、哲学者イマヌエル・カント（Immanuel Kant, 1724–1804）が述べたように、私たちは「物自体」をそのまま知覚することはできず、感覚を通じた「現象＝現れ」として世界を捉えているにすぎない。こうした前提のもと、私は絵画を、人間の知覚と世界との関係を探究する装置＝現象の探究装置として位置づけている。
絵画とは、知覚の構造を問う認識論的実践であると同時に、可視性の背後にある存在へと接近しようとする存在論的試みでもある。私の制作はこの二つの軸において展開しており、見ることと現れること、知覚と存在が交差するその接点として絵画空間を捉えている。かつてキュビズムの作家たちは、対象を分解し、絵画を再構築することで知覚の構造そのものに新たな観点を提示したが、知覚の様式や感覚の枠組みそのものが流動化している現代において、視覚芸術である絵画表現を通じて、断片の外側にある「不可視の存在」をいかにして示すことができるのか。この問いに立脚して、私は制作を行っている。
私の絵画では、画面の外側と内側の双方において空間を拡張することを意図している。まず、外側へと開かれる構造を生み出すために、キャンバスの枠を超えるイメージを描き、欠けや余白を意図的に設けている。また、時には切り取られたような形状の支持体を用いることで、鑑賞者の視線を外部へ導く仕掛けを施している。次に、内側に描くイメージとしては、主に二つのモチーフを扱っている。一つは、五感を通じて立ち現れた形象であり、もう一つは、過去に存在していたとされるが現在はその全貌を把握することができないものである。
スケッチやエスキースを経由せず、私はまず身近な事物を用いて立体物を制作する。それを、絵画を生成するための源泉として位置づけ、身体的な知覚からイメージを展開させていく。さらに、自身の五感では捉えられない歴史上の対象や、遺産・遺跡・伝承など、現在では断片的にしか把握できない情報を、時代を超えた像の層として取り入れている。こうした実践によって、身体的観測と過去の痕跡が重なり合い、多層的な空間が形成されていく。
私が描くイメージの多くは、輪郭が明瞭でありながら、意味が名指し得ない中間的な性質をもっている。視覚的には認識されうるが、意味的には未確定の状態に置かれており、具象でも抽象でもない像の性質が、絵画における多義性を生み出している。記号としての形式を保ちながらも、それに結びつく意味が宙づりであることにより、鑑賞者の知覚は常に再調整を迫られる。すなわち作品は、あらかじめ定まった意味を伝達する道具ではなく、意味が生成される条件そのものを開示する構造として機能する。
これらの複合的な要素が組み合わさることで、絵画は固定された時間と空間の枠の中に閉じるのではなく、外側との相互作用によって常に変容する「場所」を生成する。そこでは、対象への繰り返しの観測を通じて新たな知覚が立ち上がる。この反復は、単なる同一性の再生ではなく、微細なズレや変化によって新たな視座が開かれ、差異の積み重ねによって更新されていく。こうして作品は内側で完結せず、鑑賞者の関与を前提とした状態となる。
このように、外側と内側の双方向に開かれた絵画を前にしたとき、鑑賞者は各々の経験に基づいて断片を統合し、描かれたイメージの延長を想像する。そして、主観的に補完された世界を脳内に構築することで、作品は他者の知覚とともに成立する装置としての役割を果たすと考えている。このような絵画のあり方は、自己完結的な形式的自律性ではなく、関係性のうちに生成される「開かれた自律性」として捉えられるべきである。
私にとって作品を制作することは、主体としての私を通して立ち現れた現象を、客体としての私が確認する行為である。それは、無意識のうちに断片的な感覚情報を手がかりに予測を立て、それを修正しながらイメージを形成していくという循環を内包しており、私はこの動態を意識的に捉えようとしている。こうした現象学に基づく視点を通じて、人は世界をどのように知覚し、またその射程を超えたものにいかに接近しうるのかを探究していきたい。
人工知能が統計的推定に基づいて「知覚らしきもの」を生成しつつある今日の状況のなかで、絵画という営為は、身体をもって行為する人の特異性をあらためて浮かび上がらせる契機となるのではないだろうか。私の作品が、「不可視の存在」との接触を媒介する界面として機能し、知覚と存在の境界が交錯する新たな場となることを目指している。
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Exploring “Invisible Presence” through Repetition and Transformation
Humans cannot perceive the entirety of the world directly. Instead, we construct our respective worlds based on fragmented information obtained through the five senses. As the philosopher Immanuel Kant (1724–1804) argued, we are unable to perceive the “thing-in-itself” as it truly is; we can only apprehend the world as phenomena—appearances mediated by sensation. On this premise, I position painting as a device for exploring the relationship between human perception and the world—a tool for the investigation of phenomena.
Painting is at once an epistemological practice that questions the structure of perception and an ontological attempt to approach what lies behind the visible. My practice unfolds at the intersection of these two axes. I conceive of pictorial space as the site where seeing and appearing, perception and existence, intersect.
The Cubist artists once deconstructed objects and restructured them in order to propose new ways of understanding perception itself. In an age where perceptual modes and sensory frameworks are increasingly fluid, I ask: how can visual art represent what lies beyond the fragments—what is invisible? Grounded in this question, my practice seeks to address this challenge through painting.
My work is oriented toward expanding pictorial space both outward and inward. Outwardly, I intentionally incorporate images that exceed the edges of the canvas, along with voids and omissions, in order to create an open structure. At times, I employ supports that appear to have been cut or removed, guiding the viewer’s gaze beyond the painting’s surface. Inwardly, I work with two primary types of imagery: first, forms that emerge through bodily perception; and second, entities that once existed but can no longer be apprehended in their entirety.
Without relying on sketches or studies, I begin by creating three-dimensional objects from familiar materials. These serve as sources for pictorial generation, enabling me to develop imagery through embodied perception. I also incorporate historically distant referents—heritage, ruins, legends—whose outlines are now accessible only in fragmented form. Through this approach, bodily observation and traces of the past intersect, giving rise to multilayered spaces within the painting.
Many of the images I paint have clear contours, yet their meanings remain unnamed. While visually legible, they are semantically indeterminate. The ambiguous quality of these images—neither clearly representational nor abstract—generates multiplicity in the pictorial space. Even as the forms retain the structure of signs, the meanings they suggest remain suspended, forcing the viewer’s perception into constant readjustment. In this way, a painting does not serve to convey pre-defined meaning, but rather functions as a structure that discloses the very conditions under which meaning emerges.
Through the combination of these multiple elements, painting ceases to be confined within fixed frameworks of time and space and instead becomes a “place” that continually transforms through interaction with what lies beyond it. Repeated observation of the subject gives rise to new modes of perception. This repetition is not a reproduction of sameness, but a process of continual revision—new perspectives emerge through subtle shifts and accumulated differences. In this way, the work does not conclude within itself but presupposes the viewer’s active involvement.
Faced with a painting that is open in both outward and inward directions, the viewer integrates fragments based on their own experience and imagines the extensions of the image beyond the surface. By constructing a mentally supplemented world, the work fulfills its role as a device that comes into being through the viewer’s perception. This mode of painting should not be understood as a self-contained formal autonomy, but as an “open autonomy” generated through relationality.
For me, creating a work is an act in which the phenomenon that arises through myself as subject is confirmed through myself as object. It is a circular process in which unconscious fragments of sensory information give rise to hypotheses, which are then revised through the emergence of images—a process I strive to observe consciously. Through this phenomenological perspective, I aim to explore how we perceive the world and how we might approach that which lies beyond the reach of perception.
In an era in which artificial intelligence generates “quasi-perception” through statistical inference, painting may offer a renewed occasion to foreground the specificity of human beings as embodied, acting agents. I hope my work may function as an interface mediating contact with the invisible—a site where perception and existence intersect to open new possibilities.